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Gonzalo Fuenmayor a réussi à s’affranchir des clichés de la peinture latino-américaine tout en gardant ses racines Colombienne. Né à Barranquilla au nord de la Colombie, il a étudié l’art à New York puis à Boston où, seul immigré, ses camarades attendaient de lui une peinture flamboyante et colorées. Ce qui se traduisait dans ses premières oeuvres:

“J’étais le peintre qui utilisait une palette colorée, faisant de moi le latino qui se démarquait des autres”.

Il était même connu sous le pseudo de Banana Man car ce fruit était présent dans la plupart de ses dessins. Fatigué de faire ce qu’on attendait de lui, de “s’exotiser lui-même”, il a supprimé la couleur de son travail pour ne s’exprimer qu’en noir et blanc, en utilisant le fusain. Un manière pour lui d’engager le dialogue par l’image plutôt que par un schéma de couleur associé à sa culture. La banane, qu’il conserve, devient le symbole de la violence que son pays a connu au début du XXème siècle. Il se réfère notamment à Gabriel Garcia Marquez et son roman Cent ans de Solitude qui évoque le Massacre des bananeraies de 1928. Ses dessins nous rappellent cette période où l’entreprise américaine United Fruit s’est installée en Amérique centrale. Une aubaine économique à double tranchant qui a à la fois enrichi le pays et semé le trouble dans le milieu ouvrier. Un sujet qui a touché plus d’un artiste. On est transporté dans de vastes pièces richement décorées dans un style victorien où l’on sentirait presque le cigare et le rhum. Un confort perturbé par un bananier invasif qui provoque l’embarras. Ou encore des références au rêve américain : super héros, business men ou logos de studios hollywoodiens détournés pour dénoncer leur promesse illusoire.

“Mon travail est à propos de l’anxiété provoquée par le fait d’être un étranger qui ne vit pas dans son pays.”

Gonzalo Fuenmayor vit désormais à Miami, peut-être une façon d’avoir moins le mal du pays et d’être moins influencé par son statut exotique.

P.M.

Gonzalo Fuenmayor managed to overcome the stereotypes of Latin American painting while keeping his Colombian roots. Born in Barranquilla in northern Colombia, he studied art in New York and in Boston where, being the only immigrant, his comrades expected from him flamboyant and colorful paintings. Which resulted in his first works:

“I was the painter using colorful palette that made me the latin american sort of standing out in the crowd”

He was even known as the Banana Man because the fruit was present in most of his drawings. Tired of what was expected from him, of “exoticizing himself”, he removed the color from his work shifted to black and white, using charcoal. A way for him to engage the conversation with imagery rather than with a color scheme associated with his culture. The banana, that he kept in his work, is the symbol of the violence that his country had experienced in the early twentieth century. He is referring in particular to Gabriel Garcia Marquez and his novel One Hundred Years of Solitude that evokes the Banana massacre in 1928. His drawings remind us of a time when the American company United Fruit settled in Central America. A double-edged economic godsend that has both enriched the country and caused confusion among the workers. A topic that has affected more than one artist. We are then transported in large rooms elaborately decorated in Victorian style where one could almost feel the cigar and rum. A comfort disturbed by invasive banana tree that causes embarrassment. Or references to the American dream: superheroes, businessmen or Hollywood studio logos diverted to denounce their illusory promise.

“I’m making work about the anxiety of being from another country and living in another.”

Gonzalo Fuenmayor lives now in Miami, maybe a way to be less homesick and to feel less influenced by his exotic state.

P.M.

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L’artiste Claire Morgan native d’Irlande du Nord a été invitée par les musées d’Angers à réaliser une sculpture monumentale en écho à la tapisserie le Chant du Monde de Jean Lurçat. Le résultat est une oeuvre de 8 mètres de long qui est une interprétation contemporaine de l’Apocalypse. Sur un sujet très cher à l’artiste, Plenty More Fish in the Sea dénonce notre surconsommation et notre avidité au mépris des conséquences sur notre planète. Elle représente des animaux (renard, bécasse, pigeon et canard), à notre image, se noyant dans des déchets qui s’accumulent. Là où Jean Lurçat s’était inspiré en son temps de la bombe atomique et de son usage pendant la Seconde Guerre mondiale, Claire Morgan prend exemple sur le désastre écologique et humanitaire d’aujourd’hui. Un désastre auquel nous assistons, dont nous sommes responsables et face auquel nous agissons peu car nous sommes prisonniers de nos désirs futiles et que, quoiqu’il en soit, un de perdu dix de retrouvé (i.e. there are Plenty More Fish in the Sea). L’exposition se tient jusqu’au 6 novembre 2016.

The North Irish artist Claire Morgan was invited by the Angers museums to create a monumental sculpture echoing the tapestry Le Chant du Monde by Jean Lurcat. The result is a work of 8 meters long which is a contemporary interpretation of the Apocalypse. On a subject very dear to the artist, Plenty More Fish in the Sea denounces our consumption and our greed without regards on the consequences on our planet. It represents animals (fox, woodcock, pigeon and duck), modelled on us, drowning themselves in accumulated waste. Where Jean Lurcat was inspired on his time by the atomic bomb and its use during World War II, Claire Morgan takes its cue from today’s ecological and humanitarian disaster. A disaster we are witnessing, that we are responsible for and against which we poorly act just because we are prisoners of our futile desires and that whateve, there are Plenty More Fish in the Sea. The exhibition runs until November 6, 2016.

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Apichatpong Weerasethakul nous explique dans cette dernière partie les doutes dans sa carrière, même après avoir gagné le Prix du jury au Festival de Cannes. Il nous explique ensuite comment il est arrivé à l’art vidéo, qui finalement a pris plus de volume que le cinéma. Avant d’évoquer son prochain projet de film qui pour la première fois se déroulera hors de son pays, il donne des conseils sur comment trouver sa voie en tant qu’artiste.

“Même lorsque je suis allé à Cannes pour la deuxième fois avec Tropical Malady, en 2004, je me demandais si je faisais un vrai métier.”

“En fait je fais plus d’art vidéo que de cinéma mais les gens ne le savent pas.”

“Je pense qu’aussi bien pour le cinéma que pour l’art vidéo, ça correspond à ce que je veux exprimer, symboliquement ou pas, sur la vie en Thaïlande.”

“J’ai essayé de trouver la frontière entre réalité et fiction. En fait il faut trouver la réponse à cette question. Evidemment en cherchant cette réponse vous regardez le travail d’autres artistes, ce qu’ils ont fait. Et là, ce que je recommande, et que je fais moi-même, c’est d’intégrer son expérience personnelle dans son travail. Et à force d’intégrer votre propre expérience, l’influence de vos artistes modèles diminuera. S’installera alors une relation authentique entre votre expérience et ce que vous aimez réellement. Ça nous permet de comprendre quelle chose nous manquerait le plus si elle n’existait pas.”

“Mon cinéma est en train d’atteindre ses limites en Thaïlande. Je commence à craindre la censure qui affecte ma créativité et ma prise de décision.”

Apichatpong Weerasethakul explains in this last part the doubts in his career, even after winning the Jury Prize in the Cannes Film Festival. He then explains how he came to video art, which ultimately took more volume than cinema. Before discussing his next film project which for the first time will take place outside his country, he gives advice on how to find his way as an artist.

“Even when I went to Cannes for the second time for Tropical Malady, in 2004, I still ask myself : is this a real profession?”

“In fact I do video art more than cinema but people don’t know that.”

“I think for both cinema and vidéo art, it’s pretty much what I want to say, either symbolically or not, about living in thailand.”

“I tried to find the line between reality and fiction. You just have to find the path to this question. Obviously seeking the answer, you look at the work of other artists, what they did. And here’s what I recommend, and I’m doing myself, is to integrate personal experience in your work. And through integrating your own experience, the importance of your reference artists will decrease. And you will feel the genuine relationship between your experience and what you really love. It allows us to understand what thing would miss most if it did not exist.”

“My cinema starts to reach its limit in Thailand. I start to feel that censorship affects my creativity and decision making.”

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Le photographe Jérôme Bryon est comme un enfant unique qui peut, tout seul, inventer un univers à partir de presque rien. Il a débuté sa carrière dans la publicité à rendre l’ordinaire beau. C’est après quelques voyages et quelques clichés dans les vastes paysages d’Australie et des Etats Unis qu’il trouve une nouvelle liberté de création. Il poursuit alors ce travail sur les paysages où l’homme n’a que très peu laissé son empreinte ; dans des territoires quasi vierges, dans une recherche d’isolement comme pour faire table rase de sa vie antérieure, se débarrasser de sa déformation professionnelle. Dans sa dernière série, “Grand Sud”, il est allé à coté de chez lui près de Montpellier sur des parkings d’hypermarché. Là, il donne au banal une nouvelle dimension : des coins de parking deviennent des paysages sans limite, des bouts de roche insignifiants se transforment en montagne. “La photograhie est tout simplement ma thérapie, mon divan. Plus je cultive ce terrain, plus je me sens  fort.” On comprend alors le titre de la monographie consacrée à son travail : Possibilité de Survie en Milieu Hostile.

P.M.

The photographer Jerome Bryon is like an only child who can, alone, create a universe with almost nothing. He began his career in advertising, making beautiful goods from common ones. It was after a few trips and a few shots in the vast landscapes of Australia and the United States that he found a new creative freedom. He then continued this work on landscapes where man has barely left his mark; in almost virgin territories, in search of isolation as to make a clean sweep of his former life, to get rid of his professional quirk. In his latest series, “Grand Sud”, he went near his home near Montpellier on hypermarket car parks. Here he gives the banal a new dimension: the parking corners become limitless landscapes, insignificant rock scraps turn into mountains. “Photograhy is simply my therapy, my shrink couch. The more I cultivate this field, the stronger I feel.” We now understand the title of the monograph dedicated to his work : Survival Possibility in Hostile Environment.

P.M.

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L’artiste plasticien thaïlandais Apichatpong Weerasethakul est davantage connu comme réalisateur. Considéré comme le plus brillant de sa génération dans son pays, il est reconnu internationalement après avoir remporté de multiples récompenses dont la Palme d’Or au Festival de Cannes en 2010. Nous découvrons dans cette première vidéo comment, né de parents médecins dans une petite ville du nord de la Thaïlande, il a pu trouver sa voie. Il nous explique pourquoi, voulant d’abord devenir vétérinaire, il a suivi des études d’architecture avant de devenir l’artiste et le cinéaste d’aujourd’hui.

“Je sais qu’ils auraient voulu que l’un de nous reprenne leur activité car ils avaient une clinique en ville. Mais ils ne m’ont jamais poussé à suivre cette voie. Même si la médecine a pu m’intéresser à une période. J’ai même voulu devenir vétérinaire. Et même dentiste…”
A propos de ses parents

“Les histoires de fantômes et la science-fiction. Ces genres ont l’air éloignés, mais pour moi font partie du même univers. Un univers magique et parfois intangible. J’adore cette notion qui n’est pas dans le présent mais dans les souvenirs ou dans le futur.”

“J’ai toujours pensé que le divertissement, que ce soit les films ou le théâtre, faisait partie de la théorie architecturale. J’ai donc fait mes études dans ce domaine et je me suis rendu compte que c’était un formidable processus d’apprentissage. Apprendre le cinéma à travers l’architecture, tout ce qui est lié au temps et à l’espace, est tout à fait pertinent.”

P.M.

The Thaï visual artist Apichatpong Weerasethakul is better known as a director. Considered the most brilliant of his generation in his country, he is internationally recognized after winning multiple awards including the Palme d’Or at the Cannes Film festival in 2010. We discover in this first video how, born to two doctors in a small city in northern Thailand, he was able to find his way. He explains why, wanting first to become a veterinarian, he studied architecture before becoming the artist and filmmaker we know today.

“I know they would have wanted one of us to take over their activity as they had a clinic in town. But they never pushed me to follow this path. Although medicine interested me in some point. I even wanted to become a veterinarian. And even dentist … “
About his parents

“Ghost stories and science fiction. These genres seem totally different, but for me they’re part of the same universe. A magical and sometimes intangible universe. I love this concept that is not present time but either in the memories or in the future. “

“I always thought that entertainment, whether it be movies or theater, was part of the architectural theory. So I did my studies in this field and I realized that it was a great learning process. Learn cinema through architecture, everything that is related to time and space, is very relevant. “

P.M.