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Philippe Baudelocque est un artiste français né en 1974 dans une famille de musiciens ouverte à la culture avec un père artiste animalier. Jeune adolecsent au moment où le hip-hop et le graffiti explosent en France, il fait ses premiers pas artistiques en taguant son pseudo, Fusion, lors de ses explorations urbaines. C’est en allant à New York où il rencontres les pionniers du street art qu’il réalise que cette culture n’est pas en phase avec sa philosophie. Il conserve la passion des dessins sur grande surface, des lettrages et de l’énergie de cette discipline pour se l’approprier et l’interpréter à sa façon.

C’est en 2009 qu’il tombe face à un mur noir, rue du pont aux choux, et qu’il décide de faire son premier dessin à la craie. L’animal cosmique qu’il réalise est alors photographié et fait le tour de la blogosphère, il a trouvé son style. Si les animaux sont très représentatif de son travail, c’est à la nature au sens large qu’il s’intéresse. La nature est pour lui notre univers, le cosmos et toutes les interactions qui en résultent.

“Quand le graffiti est arrivé, ce qui m’a beaucoup intéressé c’est l’énergie. C’était tellement différent de tout ce que je voyais.”

“Je participe à cette forme d’art mais à ma manière. C’est à dire que ce n’est pas spécialement le coté vandalisme de la chose qui m’intéressait. Je retenais juste l’expérimentation des lettres et des formes dans des endroits désaffectés.”

A propos de ses premiers dessins à la craie :
“Je n’étais pas du tout dans le sens à penser à tout. Pas du tout. C’est vraiment le prix. Avec un paquet de 10 ou 12 craie on peut faire un grand mur comme ça. J’étais pragmatique, c’était vraiment ça.”

“C’est là que j’ai pris conscience que je me sentais bien en faisant ça. Je ne marche sur aucun pied. Je suis chez moi. Je suis chez moi, tranquille, je parle de choses qui m’intéressent profondément et qui me touchent.”

“Je doute encore, de tout. Mais fondamentalement j’ai l’information. Quand je me connecte vraiment avec mon coeur, avec moi tout entier. C’est cet état où tout est calme, tout est limpide, où il n’y a strictement aucune pensée.”

P.M.

Philippe Baudelocque is a French artist born in 1974 into a family of musicians open to culture with a naturalist father. Young adolecsent when hip-hop and graffiti shot up in France, he made his first artistic steps by tagging his nickname, Fusion, during his urban explorations. When he went to New York, he encountered the pioneers of street art and realized that this culture was not in line with his philosophy. He retained the passion of drawing on large area, lettering and of the energy of this discipline and interpreted it in his own way.

It was in 2009 that he came across a black wall, rue du Pont aux Choux, and decided to make his first drawing with chalk. The cosmic animal he realized is then photographed and went around the blogosphere, he then found his style. If animals are very representative of his work, he is interested in nature in its wide sense. Nature is for him our universe, the cosmos and all the interactions that result from it.

“When I discovered graffiti what I really enjoyed was the energy. It was so different than what I was used to.”

“I get involved in the graffiti movement. But in my own way. Because I was not interested in the vandalism aspect of it. I was more into experimenting letters and shapes, in closed down places.”

About his first drawings with chalk:
“At that time I wasn’t thinking up everything. Not at all. It was really a matter of price.With a pack of 10 or 12 chalks, I could draw on such a big wall. The idea was as simple as that, pragmatic.”

“This is when I’ve been aware of how good I was feeling doing this. I wasn’t stepping on anyone foot. I feel at home. I’m in my house, quiet. I’m on something deeply interesting that moves me.”

“I still have doubts, on everything… But fundamentally, deep inside me I have the information. When I’m connected with my heart, my inner self. It is a state when everything is quiet and crystal clear. When you don’t think of anything.”

P.M.

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Dans cette deuxième partie Shane Lynam nous explique la façon dont il a construit son style. Ayant fait des études dans ce domaine, il s’intéresse à l’impact de la conjoncture économique et des décisions politiques sur l’urbanisme à travers le temps. Son regard se pose sur l’évolution des interactions des populations avec ces lieux parfois anachroniques mais qui tentent de s’adapter à la société d’aujourd’hui. Il nous livre également son avis de photographe sur l’âge d’or que l’Irlande a connu avant de s’effondrer à la crise de 2008.

“La photo devenait quelque chose que j’aimais mais je n’en étais pas encore convaincu.”

“Rentrer dans le monde de la photo à Paris est assez délicat. En particulier quand on débute, c’est un milieu un peu fermé.”

“Quand je photographie des lieux, je m’intéresse à leur historique. J’essaie d’identifier comment leur différentes strates d’histoire économique et politique se traduit dans l’architecture ou l’urbanisme.”

“Je pense qu’il faut aller dans des villes moins évidentes pour les photographes d’art et trouver le moyen de les rendre intéressantes.”

“J’aimerais beaucoup faire une grande série aux Etats-Unis. Notamment pour ce qui s’est passé ces 10/15 dernières années au niveau économique.”

In this second part Shane Lynam explains how he built his style. Having done studies in this field, he is interested in the impact of economic and political decisions on urban planning through time. His fixes upon the evolution of interactions between the population and sometimes anachronistic places that are trying to adapt to today’s society. He also gives us his photographic review of the golden age that Ireland has experienced before collapsing to the 2008 crisis.

“Photo was getting to something that I liked but I really wasn’t sure about it.”

“Getting into photography in Paris is quite tricky. Especially when you’re starting it’s quite a kind of closed world.”

“When I’m photographing spaces I’m interested in the history that formed that space and whether we can see the layers of political and economic history in the buildings and the surfaces.”

“I think you have to go to cities that are less obvious for art photographers and try to find a way of making them interesting.”

“I would love to make something big in the US. Because of what has happened there the last 10/15 years economically.”

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Sam Leach a débuté sa carrière dans les finances publiques au bureau des impôts australien dans lequel il a travaillé près de 12 ans. Diplômé en économie, mais dessinateur amateur, c’est à l’âge de 21 ans qu’il a eu sa première révélation artistique, lors d’un voyage en Europe. Là, il découvre les oeuvres de Gerhard Richter ou encore Gunther Forg qui lui donnent envie faire de l’art contemporain et de créer son propre style. Il prend alors des cours de perfectionnement et, petit à petit, la peinture devient son activité principale quand il commence à en vivre. Il n’en oublie pas sa vie antérieure car sa peinture s’intéresse aussi à l’impact de l’économie sur la société. Marqué par la peinture flamande du 17ème siècle, notamment poussée par le capitalisme d’entreprise, il reproduit lui-même des paysages peints à l’époque.

“J’ai trouvé un lien fascinant entre les halls d’entreprises et la peinture architecturale hollandaise au 17ème siècle. Le fait que cette période corresponde à l’essor du capitalisme m’a beaucoup interpellé car j’y ai vu de nombreux impacts esthétiques. Je me suis demandé à quel point les images produites à cette époque reflétaient la façon dont on structurait notre société aujourd’hui.”

L’influence de la science sur la société l’intéresse également beaucoup. Les disques ou traits figurants sur ses oeuvres nous font penser à des infographies économiques ou à des atomes sans relief, sans émotion.

Les animaux, parfaitement représentés sur ses peintures, sont un peu à notre image, à la fois impactés par les dérives du capitalisme et parfois oubliés dans les bouleversements créés par les progrès de la science.

“Je veux être capable de lire une certaine émotion ou une intention chez les animaux, mais qu’elles soient propre à ce qu’est l’animal. Les qui me servent de modèle sont habituellement dans des zoos, ou empaillés ou en tout cas prennent un pose qui sous entend qu’il a déjà eu une interaction avec l’homme.”

Que ce soit dans le portrait ou les paysages, Sam Leach excelle. Il a remporté en 2010 les prix Archibald et Wynne qui récompensent respectivement ces deux formes de représentations picturales.

Sa première monographie a été publiée en 2015

P.M.

Sam Leach began his career in the Australian Tax Office where he worked nearly 12 years. A graduate in economics, but drawing as a hobbyist, it is at the age of 21  that he had his first artistic revelation, while traveling in Europe. There, he discovered the works of Gerhard Richter or Gunther Forg that made him want to make contemporary art and create his own style. He then took advanced courses and gradually painting became his main activity when he started to make a living from it. His former life left a mark though as we see in his paintings an interest in the impact of the economy on society. Marked by Flemish painting of the 17th century, particularly driven by corporate capitalism at that time, he reproduces landscapes painted at the time.

“I came across a fascinating link between corporate foyers and the architecture paintings made in the Netherlands in the 17th century, and the fact that this period corresponded with the rise of corporate capitalism really resonated with me because I could see aesthetic echoes everywhere. It made me ask: ‘What is it about images that were produced during that era that have something to say about how we structure our society now?”

He is also very interested by he influence of science on society. The circles or lines in his work remind us of economic infographics or atoms… Without relief or emotion.

Animals, perfectly represented in his paintings are somewhat in our image, both affected by the excesses of capitalism and sometimes forgotten in the turmoil created by the progress of science.

“I want to be able to read some sort of emotion or intention in the animal, but at the same time have the emotion or intention specifically non-human and relevant to the animal on its own terms. The animals that serve  as models are usually in zoos, or stuffed or otherwise posed as there has always been human interaction already.”

Whether in portrait or landscapes, Sam Leach excels. He won the 2010 Archibald and Wynne prizes which respectively recognize both forms of pictorial representations.

His first monography has been published in 2015.

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Shane Lynam est un photographe irlandais qui s’est fait sur le tard. Vivant successivement à Dublin, Paris et Bruxelles, il a fait des études d’économie et de sciences politiques qui le destinaient davantage à l’administration publique européenne. Il fait l’acquisition de son premier appareil photo, un peu par accident, à la fin de ses études alors que la vente des appareils numériques explose. Peu initié à l’art, ce n’est qu’au début de sa carrière professionnelle qu’il s’y intéresse et en particulier à la photographie. Lorsqu’il emménage à Paris il est frappé par l’exposition de Raymond Depardon, “La France”, qui aura une immense influence sur son style.

“J’avoue que quand j’étais à l’université à Dublin, je n’allais pas particulièrement voir d’expositions.”

“J’envisageais de faire carrière à Bruxelles, à la Commission européenne.”

“L’exposition de Raymond Depardon m’a vraiment marqué. Ça se voit dans le travail que je fais

“Prendre des photos est rapidement passé d’une activité du week end à quelque chose d’obsessionnel.”

“La photo ne se limite pas au cliché, c’est aussi un moyen d’exprimer des idées en créant une narration. Avec 15 ou 20 photos on peut raconter des histoires”

P.M.

Shane Lynam is an Irish documentary photographer who came to photography relatively late in life. After growing up in Dublin, Paris and Brussels, he studied economics and political science that destined him more for a possible career in the European public administration. He acquired his first camera, quite by accident, at the end of his studies while the sales of digital devices exploded. Although art had not played an important role in his life during his undergrad years, his interest grew rapidly as his career developed and especially in photography. When he moved to Paris he was struck by the exhibition of Raymond Depardon, “La France”, which will have a huge influence on his style.

“I have to say that when I was in college in Dublin I wouldn’t have been going to a lot of art shows.”

“I was thinking of working in Brussels in the European Commission.”

“Raymond Depardon’s show definitely left a mark. You can see it in the work now. It’s the idea of capturing the banal and see how it can be so interesting.”

“Taking pictures very quickly moved from something that was at the week ends to something that was almost obsessional.”

“Photography is not about one shot, it’s very much about how you can express ideas with a narrative. With 15 to 20 photos you can tell stories.”

P.M.

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Emma Grosbois est une jeune photographe née à Rennes en 1985. Elle vit entre la France et l’Italie. Avide d’exploration, elle est attirée par les lieux insolites, les personnages banals en apparence mais qui cachent des paradigmes humains. Son oeuvre est une étude anthropologique qui nous fait découvrir les mondes et usages insoupçonnés de communautés et groupes sociaux. Particulièrement portée sur le fait religieux, sa photo est un révélateur de rites ecclésiastiques dont l’objectif et la signification va au delà du simple culte.

Emma Grosbois is a young photographer born in Rennes in 1985. She lives between France and Italy. Eager to explore, she is drawn to unusual places, banal characters in appearance but hiding human paradigms. Her work is an anthropological study that reveals unsuspected worlds and customs of communities and social groups. Particularly focused on the religious behaviours, her work is a pointer of ecclesiastical rites whose purpose and meaning goes beyond the simple worship.