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Certains artistes nous apaisent en nous montrant que l’art n’est pas toujours à prendre au sérieux et Wayne White en fait partie. Originaire du Tennessee, ce peintre et sculpteur fait partie de cette génération inspirée par la contre culture. Diplômé des beaux arts de Nashville en peinture, il trouve son premier job en tant que muséographe au Musée de Cumberland grâce à une politique de subventions instaurée par Jimmy Carter.

“Je suis sorti de mon université avec tout ce snobisme à propos de l’art qui s’expose et qui se vend. Ça m’est très vite sorti de la tête quand je suis rentré dans le monde réel. J’étais un putain de diplômé en peinture à Nashville en 1980. Et il n’y avait rien. Vraiment rien. J’avais besoin d’un travail et il y avait ce programme subventionné au Musée avec une place disponible. Je dois mon premier job dans l’art à Jimmy Carter.”

Dans ce musée il s’occupe notamment des espaces de divertissement pour les enfants. Il construit des décors où il laisse libre cours à son imagination et prend goût pour la scénographie.

Plus tard il déménage à New York et découvre Raw, le magazine de BD culte créé par Françoise Mouly et Art Spiegelman.

“C’était comme une BD d’expressionnisme abstrait.”

Fan de Spiegelman, qui est aussi professeur, Wayne White squatte à dessein les couloirs de la New School of Visual Arts jusqu’à ce qu’il le croise. L’ensignant l’invitera chez lui alors qu’il est en train de réaliser Maus, le roman graphique qui lui vaudra le prix Pulitzer.

A cette même période, il fréquente le milieu des galeries alternatives dans le sud de manhattan qui présentent des concerts punk rock et des performances. White y présente des spectacles de marionnettes qu’il appelle les “Guerilla Puppet Shows” où les protagonistes à l’esthétique punk copulent et hurlent des obscénités. C’est là qu’il rencontre sa future femme, Mimi Pond, illustratrice et connue plus tard pour avoir écrit le premier épisode des Simpsons.

Au milieu des années 80 il retourne à Nashville où un ami travaillant pour une chaîne de télé locale l’invite à présenter ses talents de marionnettiste. Le jeune directeur qui le reçoit est alors séduit et lui confie l’entière conception d’une émission pour enfant :  “Mrs. Cabobble’s Caboose.”

“J’adorais faire ça. J’adorais ça parce que ça rassemblait tout. Fabriquer des marionnettes et des décors c’était de la sculpture, de la peinture et de la narration. Je savais que c’était ce dont j’avais besoin plutôt que de me spécialiser dans le dessin. J’ai su que je voulais me développer là dedans. J’adorais ça. Mon instinct me disait que c’était l’occasion de devenir un scénographe, un marionnettiste.”

Un an plus tard, il apprend qu’une maison de production est sur le point de lancer une nouvelle émission pour enfants : “Pee Wee’s Playhouse”, spin off du film à gros succès “Pee Wee’s Big Adventure” réalisé par Tim Burton. Son portfolio lui vaut d’être embauché ; il repart à New York puis à Los Angeles qu’il ne quittera plus. Après quatre saisons, le programme s’arrête mais Wayne White a gagné 3 Emmy Awards pour son travail de scénographe. Il conçoit désormais des décors de pubs et de quelques clips dont “Tonight, Tonight” pour les Smashing Pumpkins qui remporte un MTV Music Video Award en 1995.

Wayne White n’oublie pas pour autant la peinture ; il peint dans son studio depuis qu’il est à Los Angeles.

“J’ai travaillé pendant 10 ans dans mon studio, presque secrètement. Je peignais en secret pendant que je faisais des émissions pour enfant et des pubs. J’étais intimidé par le monde de l’art. J’avais peur de montrer mon travail à qui que ce soit car je ne pensais pas qu’on me prendrait au sérieux, venant du monde des programmes pour enfants.”

C’est à la fin des années 90 qu’une galerie le repère et décide de lui faire confiance.

Les peintures de Wayne White sont faites sur de vieux tableaux de chambres d’hôtels ou de vides greniers. Ces toiles sont les décors, les illustrations des phrases hilarante qu’il peint.

“Je les appelle les plus courtes des histoires courtes au monde. Ce sont assurément des poèmes. Je les vois chacun à la fois comme forme et langage.”

Parfois illisibles, on découvre avec surprise les titres de ses oeuvres souvent subversifs ou scabreux et aux allures de slogans publicitaires. Sorte de haïku redneck, ses oeuvres sont la synthèse de ce qu’il est.

“Je n’ai jamais arrêté d’être sudiste. Je ne peux pas. C’est ce que je suis. Je voulais quelque part que mes oeuvres en soit le porte voix. Ça devait arriver. Il était naturel de mettre mon côté sudiste dans ce travail, arrêter de ne pas être fier de l’être. Ne pas s’en excuser ou être sur la défensive, simplement être authentique.”

P.M.

 

Some artists pacify us by showing us that art is not always taken seriously and Wayne White is one of them. A native of Tennessee, the painter and sculptor is part of this generation inspired by the counterculture. A graduated in Fine Arts in Nashville, he found his first job as exhibition designer at the Cumberland Museum thanks Jimmy Carter’s Comprehensive Employment and Training Act.

“I came out of school a painting major with all this snobbery about fine art and commercial art. I got that beat out of me quick the minute I got in the real world,” White says today. “I mean, I was a fucking painting major in Nashville, Tenn., in 1980. There was nothing. Nothing. I needed a job. They had the CETA program there at the museum and they had an opening. I owe Jimmy Carter my first art job.”

In this museum he deals with entertainment spaces for children. He built the sets letting his imagination running wild and took taste for scenography.

Later he moved to New York and discovers Raw, a cult comics anthology created by Françoise Mouly and Art Spiegelman.

“It was like an abstract expressionist comic book.”

Fan Spiegelman, who was also professor, Wayne White hung around in the hallways of the New School of Visual Arts until he saw him. The teacher invited him to his home while he was working on Maus, the graphic novel that won him the Pulitzer Prize.

At the same period, he roamed tiny alternative galleries in southern Manhattan presenting punk rock concerts and performances. W. White presented puppet shows he called “Guerilla Puppet Shows”, very much in the punk aesthetic, with puppets copulating and shouting streams of obscenities. There he met his future wife, Mimi Pond, illustrator and later known for writing the first episode of the Simpsons.

In the mid 80s he returned to Nashville where a friend working for a local TV station invited him to present his puppeteer skills. The young director who receives him is then seduced and hire him to design an entire kid program : “Mrs. Cabobble’s Caboose. “

“I loved doing it. I loved it because it brought everything together. Building puppets and sets was like sculpture, painting, storytelling. I knew that was what I needed to do instead of just specializing in drawings. I knew I wanted to expand like that. I instinctively knew this was my shot to become a professional set designer, a puppeteer.”

A year later, he learned that a production company was about to launch a new kiddie show : “Pee Wee’s Playhouse” spin off the successful movie “Pee Wee’s Big Adventure” directed by Tim Burton. Hired thanks to his portfolio , he returned to New York and then to Los Angeles that he never left. After four seasons, the program stops but Wayne White has won three Emmy Awards for his work in set design. He now works creating backdrops for commercials and some clips including “Tonight, Tonight” for the Smashing Pumpkins that won an MTV Music Video Award 1995.

But Wayne White would not forget his love for painting; he would paint in his studio since his arrival in Los Angeles.

“I worked almost 10 years in the studio, just in secret practically, I painted on the side in secret while I was doing kid shows and commercials and stuff in L.A. I was intimidated by the art world. I was afraid to show anybody my stuff because I felt like I wouldn’t be taken seriously because I was from the world of kiddie television.”

It is in the late 90s that a gallery spots him and decided to trust him.

Wayne White’s paintings are made on old pictures taken from hotel rooms or found in backyard sales. These paintings are the sets, the illustrations of the hilarious sentences he paints.

“I call them the world’s shortest short stories. They’re definitely poems. I see each one as both form and language.”

Sometimes illegible, we discover with surprise the titles of his works often subversive or scabrous and looking like advertising taglines. Sort of redneck’s haïkus, his work is the synthesis of what he is.

“I never stopped being a Southerner. I couldn’t. That’s who I was. I wanted that voice in my work somehow. It’s something that had to happen. It’s all natural getting my Southerness out there, bith the tempered knowledge of not being so proud about it — not being an apologist or even defensive about it, but just being natural about it.”

P.M.

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James Reka explique l’origine de son style qu’il a développé pendant plus de 15 ans notamment grâce à ses influences classiques. Connu pour son Street art mais venant du graffiti, il nous donne son avis sur ces deux mouvements entre lesquels il peut y avoir des frictions.

“Mon outil de prédilection est la bombe aérosol. J’ai développé mon style avec la manière dont j’aime utiliser la peinture en spray.”

“Ce n’est pas arrivé en une nuit. J’ai commencé comme tout débutant en m’inspirant du travail d’autres artistes. Puis ensuite on le fait à sa manière.”

“Néanmoins mon inspiration ne vient pas toujours du travail des autres. Elle provient aussi de mon quotidien. Je peux marcher dans la rue et voir une belle texture sur un mur et m’en inspirer. J’ai toujours un appareil photo sur moi et je prends beaucoup de clichés”

“Ce qui m’attirait c’était la rue, son côté brut et l’énergie qui s’en dégageait.”

“Le street artistes doivent s’exprimer selon les règles du graffiti. Il y a beaucoup des règles non dites aussi. C’est étrangement très structuré même si c’est une forme d’expression très libre.”

“J’ai beaucoup de chance de pouvoir dire que je suis un artiste et de pouvoir vivre de mon art.”

James Reka explains the origins of his style that he developed for over 15 years particularly thanks to its classical influences. Known for his Street art but coming from the graffiti world, he gives us his opinion on these two movements between which there can be friction.

“My favourite tool is the spray can. I’ve developed my style around the way I like to use spray paint.”

“It didn’t happen overnight, I started somewhere. Often when you begin, you take a lot of inspiration from other artists and you make you’re making it to your own.”

“However some of the inspiration I get is not looking at other people’s artwork. It’s my day to day life. I walk down the street and see a beautiful texture on a wall and I get inspiration from that. I always take my camera everywhere and I take photos of everything.”

“What attracted me was the streets, the rawness and the energy.”

“Street artists need to play by graffiti rules. There are a lot of unspoken rules as well. And there’s a lot of structure even though there is such a free expression.”

“I’m very lucky to be able to say that I’m an artist and I can survive of my artwork.”

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James Reka ou RekaOne, est un street artiste australien. Issu d’une famille de créatifs, il est très vite attiré par le graffiti qu’il découvre en prenant le train chaque jour pour se rendre à l’école. Il explique la naissance de sa passion, notamment animée par son goût du risque, et son évolution vers la quête d’un style unique.

“J’ai grandi près d’une voie ferrée. Je prenais le train tous les jours pour aller à l’école et sur les voies je voyais passer toutes ces couleurs en mouvement.”

“J’aimais l’idée que ces types sortaient la nuit pour faire des oeuvres illégalement. Ils risquaient tout pour leur passion, pour être créatifs.”

“Même si j’avais un très bon professeur d’art, les autres enseignants me faisaient comprendre qu’il était difficile de vivre de son art.”

“Quand j’ai débuté le street art, je n’avais pas l’intention d’exposer dans des galeries. Je faisais tout gratuitement, dans la rue, par passion, par goût du risque. Je fuyais la police…”

“Le monde du graffiti m’a appris qu’il était important de développer son propre style. Que c’était plus important que le contenu.”

James Reka a.k.a. RekaOne, is an Australian street artist. Coming from a creative family, he’s quickly attracted by graffiti that he discovered by taking the train each day to get to school. He explains the birth of his passion, especially driven by his taste for risk, and its evolution to the quest for a unique style.

“I grew up near a train line. It was my first exposure to graffiti. I would catch the train everyday to go to school and on the train lines I would see all those colours and movement.”

“I liked the idea that these guys were going out at night doing illegal work basically. They were risking everything for their passion, to be creative.”

“Even though I had a very good art teacher, the other teachers tried to make me realise that it wasn’t that it is very difficult to make money out of your art.”

“Originally when I started, I had no intentions of being a gallery artist. I was doing everything for free, on the streets, for the passion, for the risk. Running from the police…”

“One of the elements that I’ve learnt from the graffiti world is that it is important to pursue style as the most important think over content.”

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Maia Cruz Palileo est une artiste américaine née à Chicago et issue d’une famille d’immigrés philippins. Fascinée par ses origines elle se nourrit d’histoires racontées par ses parents et grands-parents sur leur archipel et leur mode de vie. Artiste pluri-média, elle a un jour souhaité créé une installation reconstituant le salon de ses grands-parents en se basant notamment sur des photos et des vidéos des années 80. Elle a fait le constat que tout était finalement très américanisé ce qui a développé son intérêt pour la mémoire des migrants, leur motivation et leur désir ou non d’oublier leur vie passée. Elle est retournée aux sources pour visiter ses oncles et tantes restés au pays, se baigner dans l’atmosphère locale et s’imprégner de souvenirs.

Sa dernière série de peinture est un mélange de toutes ces expériences ; les souvenirs de son enfance, les histoires et photos ramenées du pays et ses propres souvenirs. Certaines de ses toiles reproduisent de vieilles photos de familles abîmées par le temps. Elle comble les zones sombres avec les images de végétation qu’elle a retenu de son voyage. Elle substitue les couleurs de son imagination aux flous des clichés.

“Mes notions de la maison ont changé au fil des années. Dans ce sens, elles sont respirables, poreuses et légères, plutôt que denses et impénétrables. Je pense que la mémoire et l’imagination sont le liant qui permet de fusionner des récits existants, ceux-là même, sont perméables, changent toujours et sont remplis de trous. Je suis aussi très attirée par l’hybridation et par le mélange entre des univers et des époques. Nombre des personnages dans mes peintures ont un pied dans deux monde différents.”

P.M.

Maia Cruz Palileo is an American artist born in Chicago and from a family of Filipino immigrants. Fascinated by her origins she feeds on stories told by her parents and grandparents about their archipelago and their lifestyle. Cross-media artist,  one day she wanted created an installation recreating the living room of her grandparents notably based on photos and videos of the 80’s. She noted that everything was actually very Americanized which developed her interest for migrants memories, their motivation and their desire or not to forget their past life. She traveled to her roots to visit her aunts and uncles back home, roaming in the local atmosphere and soak up memories.

Her latest series of paintings is a mixture of all these experiences; the memories of her childhood, stories and pictures and the memories brought back from her travel. Some of her paintings reproduce old photographs of families damaged by time. She fills the dark areas with images of vegetation that she recalled from her trip. She substitutes the snapshot blurs with colors from her imagination.

“My notions of home have changed over the years. In that way, they are breathable, porous and light, rather than dense and impenetrable. I think memory and imagination are the glue for merging existing narratives, and they, too, are permeable, always changing and filled with holes. I am also definitely drawn to hybridity and to mixing worlds and time periods. Many of the characters in my paintings tend to have one foot in two separate worlds.”

P.M.

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A travers sa propre expérience, Shane Lynam nous donne son point de vue sur la façon d’appréhender la photographie d’art quand on débute et que l’on souhaite en vivre. Lui qui a quitté son job pour se consacrer à la photo, il nous explique la façon dont il a géré sa carrière, sa méthode de travail et comment il envisage son avenir.

“Pour la plupart quand on trouve ce qu’on veut faire, c’est un formidable moment dans sa vie. Mais pour moi c’est une pression à accomplir et de savoir comment je vais y arriver. C’est une chose qui peut-être stressante.”

“Quand on débute dans la photographie, ça prend un moment avant de gagner de l’argent.”

“Pour moi le plus important est de progresser tout le temps. Ce n’est pas forcément faire la meilleure photo mais lui donner plus de sens et de force.”

“Je pense que je ferai toujours de la photo. Quoiqu’il advienne je me vois enchaîner les projets. Que les gens les voient ou pas.”

P.M.

Through his own experience, Shane Lynam gives us his views on how to comprehend art photography when you begin and make a living from it. He who left his job to devote himself to photography,explains how he managed his career, his working method and how he sees his future.

“I guess people talk about once you figure out what you want to do, it’s a great moment in your life. But there’s almost a pressure then to realise it and how you’re going to go about making it all happen. It can almost be a kind of a stress.”

“Photography, especially when you’re starting out, takes a while before you start making money.”

“With me the most important is just improving all the time. Not necessarily making the best photo ever just make the work more meaningful and stronger.”

“I think I’ll always make work for the rest of my life. No matter what happens, I see myself making projects after projects whether anyone sees it.”

P.M.