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Philippe Baudelocque est un artiste français né en 1974 dans une famille de musiciens ouverte à la culture avec un père artiste animalier. Jeune adolecsent au moment où le hip-hop et le graffiti explosent en France, il fait ses premiers pas artistiques en taguant son pseudo, Fusion, lors de ses explorations urbaines. C’est en allant à New York où il rencontres les pionniers du street art qu’il réalise que cette culture n’est pas en phase avec sa philosophie. Il conserve la passion des dessins sur grande surface, des lettrages et de l’énergie de cette discipline pour se l’approprier et l’interpréter à sa façon.

C’est en 2009 qu’il tombe face à un mur noir, rue du pont aux choux, et qu’il décide de faire son premier dessin à la craie. L’animal cosmique qu’il réalise est alors photographié et fait le tour de la blogosphère, il a trouvé son style. Si les animaux sont très représentatif de son travail, c’est à la nature au sens large qu’il s’intéresse. La nature est pour lui notre univers, le cosmos et toutes les interactions qui en résultent.

“Quand le graffiti est arrivé, ce qui m’a beaucoup intéressé c’est l’énergie. C’était tellement différent de tout ce que je voyais.”

“Je participe à cette forme d’art mais à ma manière. C’est à dire que ce n’est pas spécialement le coté vandalisme de la chose qui m’intéressait. Je retenais juste l’expérimentation des lettres et des formes dans des endroits désaffectés.”

A propos de ses premiers dessins à la craie :
“Je n’étais pas du tout dans le sens à penser à tout. Pas du tout. C’est vraiment le prix. Avec un paquet de 10 ou 12 craie on peut faire un grand mur comme ça. J’étais pragmatique, c’était vraiment ça.”

“C’est là que j’ai pris conscience que je me sentais bien en faisant ça. Je ne marche sur aucun pied. Je suis chez moi. Je suis chez moi, tranquille, je parle de choses qui m’intéressent profondément et qui me touchent.”

“Je doute encore, de tout. Mais fondamentalement j’ai l’information. Quand je me connecte vraiment avec mon coeur, avec moi tout entier. C’est cet état où tout est calme, tout est limpide, où il n’y a strictement aucune pensée.”

P.M.

Philippe Baudelocque is a French artist born in 1974 into a family of musicians open to culture with a naturalist father. Young adolecsent when hip-hop and graffiti shot up in France, he made his first artistic steps by tagging his nickname, Fusion, during his urban explorations. When he went to New York, he encountered the pioneers of street art and realized that this culture was not in line with his philosophy. He retained the passion of drawing on large area, lettering and of the energy of this discipline and interpreted it in his own way.

It was in 2009 that he came across a black wall, rue du Pont aux Choux, and decided to make his first drawing with chalk. The cosmic animal he realized is then photographed and went around the blogosphere, he then found his style. If animals are very representative of his work, he is interested in nature in its wide sense. Nature is for him our universe, the cosmos and all the interactions that result from it.

“When I discovered graffiti what I really enjoyed was the energy. It was so different than what I was used to.”

“I get involved in the graffiti movement. But in my own way. Because I was not interested in the vandalism aspect of it. I was more into experimenting letters and shapes, in closed down places.”

About his first drawings with chalk:
“At that time I wasn’t thinking up everything. Not at all. It was really a matter of price.With a pack of 10 or 12 chalks, I could draw on such a big wall. The idea was as simple as that, pragmatic.”

“This is when I’ve been aware of how good I was feeling doing this. I wasn’t stepping on anyone foot. I feel at home. I’m in my house, quiet. I’m on something deeply interesting that moves me.”

“I still have doubts, on everything… But fundamentally, deep inside me I have the information. When I’m connected with my heart, my inner self. It is a state when everything is quiet and crystal clear. When you don’t think of anything.”

P.M.

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Dans cette deuxième partie Shane Lynam nous explique la façon dont il a construit son style. Ayant fait des études dans ce domaine, il s’intéresse à l’impact de la conjoncture économique et des décisions politiques sur l’urbanisme à travers le temps. Son regard se pose sur l’évolution des interactions des populations avec ces lieux parfois anachroniques mais qui tentent de s’adapter à la société d’aujourd’hui. Il nous livre également son avis de photographe sur l’âge d’or que l’Irlande a connu avant de s’effondrer à la crise de 2008.

“La photo devenait quelque chose que j’aimais mais je n’en étais pas encore convaincu.”

“Rentrer dans le monde de la photo à Paris est assez délicat. En particulier quand on débute, c’est un milieu un peu fermé.”

“Quand je photographie des lieux, je m’intéresse à leur historique. J’essaie d’identifier comment leur différentes strates d’histoire économique et politique se traduit dans l’architecture ou l’urbanisme.”

“Je pense qu’il faut aller dans des villes moins évidentes pour les photographes d’art et trouver le moyen de les rendre intéressantes.”

“J’aimerais beaucoup faire une grande série aux Etats-Unis. Notamment pour ce qui s’est passé ces 10/15 dernières années au niveau économique.”

In this second part Shane Lynam explains how he built his style. Having done studies in this field, he is interested in the impact of economic and political decisions on urban planning through time. His fixes upon the evolution of interactions between the population and sometimes anachronistic places that are trying to adapt to today’s society. He also gives us his photographic review of the golden age that Ireland has experienced before collapsing to the 2008 crisis.

“Photo was getting to something that I liked but I really wasn’t sure about it.”

“Getting into photography in Paris is quite tricky. Especially when you’re starting it’s quite a kind of closed world.”

“When I’m photographing spaces I’m interested in the history that formed that space and whether we can see the layers of political and economic history in the buildings and the surfaces.”

“I think you have to go to cities that are less obvious for art photographers and try to find a way of making them interesting.”

“I would love to make something big in the US. Because of what has happened there the last 10/15 years economically.”

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Shane Lynam est un photographe irlandais qui s’est fait sur le tard. Vivant successivement à Dublin, Paris et Bruxelles, il a fait des études d’économie et de sciences politiques qui le destinaient davantage à l’administration publique européenne. Il fait l’acquisition de son premier appareil photo, un peu par accident, à la fin de ses études alors que la vente des appareils numériques explose. Peu initié à l’art, ce n’est qu’au début de sa carrière professionnelle qu’il s’y intéresse et en particulier à la photographie. Lorsqu’il emménage à Paris il est frappé par l’exposition de Raymond Depardon, “La France”, qui aura une immense influence sur son style.

“J’avoue que quand j’étais à l’université à Dublin, je n’allais pas particulièrement voir d’expositions.”

“J’envisageais de faire carrière à Bruxelles, à la Commission européenne.”

“L’exposition de Raymond Depardon m’a vraiment marqué. Ça se voit dans le travail que je fais

“Prendre des photos est rapidement passé d’une activité du week end à quelque chose d’obsessionnel.”

“La photo ne se limite pas au cliché, c’est aussi un moyen d’exprimer des idées en créant une narration. Avec 15 ou 20 photos on peut raconter des histoires”

P.M.

Shane Lynam is an Irish documentary photographer who came to photography relatively late in life. After growing up in Dublin, Paris and Brussels, he studied economics and political science that destined him more for a possible career in the European public administration. He acquired his first camera, quite by accident, at the end of his studies while the sales of digital devices exploded. Although art had not played an important role in his life during his undergrad years, his interest grew rapidly as his career developed and especially in photography. When he moved to Paris he was struck by the exhibition of Raymond Depardon, “La France”, which will have a huge influence on his style.

“I have to say that when I was in college in Dublin I wouldn’t have been going to a lot of art shows.”

“I was thinking of working in Brussels in the European Commission.”

“Raymond Depardon’s show definitely left a mark. You can see it in the work now. It’s the idea of capturing the banal and see how it can be so interesting.”

“Taking pictures very quickly moved from something that was at the week ends to something that was almost obsessional.”

“Photography is not about one shot, it’s very much about how you can express ideas with a narrative. With 15 to 20 photos you can tell stories.”

P.M.

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Apichatpong Weerasethakul nous explique dans cette dernière partie les doutes dans sa carrière, même après avoir gagné le Prix du jury au Festival de Cannes. Il nous explique ensuite comment il est arrivé à l’art vidéo, qui finalement a pris plus de volume que le cinéma. Avant d’évoquer son prochain projet de film qui pour la première fois se déroulera hors de son pays, il donne des conseils sur comment trouver sa voie en tant qu’artiste.

“Même lorsque je suis allé à Cannes pour la deuxième fois avec Tropical Malady, en 2004, je me demandais si je faisais un vrai métier.”

“En fait je fais plus d’art vidéo que de cinéma mais les gens ne le savent pas.”

“Je pense qu’aussi bien pour le cinéma que pour l’art vidéo, ça correspond à ce que je veux exprimer, symboliquement ou pas, sur la vie en Thaïlande.”

“J’ai essayé de trouver la frontière entre réalité et fiction. En fait il faut trouver la réponse à cette question. Evidemment en cherchant cette réponse vous regardez le travail d’autres artistes, ce qu’ils ont fait. Et là, ce que je recommande, et que je fais moi-même, c’est d’intégrer son expérience personnelle dans son travail. Et à force d’intégrer votre propre expérience, l’influence de vos artistes modèles diminuera. S’installera alors une relation authentique entre votre expérience et ce que vous aimez réellement. Ça nous permet de comprendre quelle chose nous manquerait le plus si elle n’existait pas.”

“Mon cinéma est en train d’atteindre ses limites en Thaïlande. Je commence à craindre la censure qui affecte ma créativité et ma prise de décision.”

Apichatpong Weerasethakul explains in this last part the doubts in his career, even after winning the Jury Prize in the Cannes Film Festival. He then explains how he came to video art, which ultimately took more volume than cinema. Before discussing his next film project which for the first time will take place outside his country, he gives advice on how to find his way as an artist.

“Even when I went to Cannes for the second time for Tropical Malady, in 2004, I still ask myself : is this a real profession?”

“In fact I do video art more than cinema but people don’t know that.”

“I think for both cinema and vidéo art, it’s pretty much what I want to say, either symbolically or not, about living in thailand.”

“I tried to find the line between reality and fiction. You just have to find the path to this question. Obviously seeking the answer, you look at the work of other artists, what they did. And here’s what I recommend, and I’m doing myself, is to integrate personal experience in your work. And through integrating your own experience, the importance of your reference artists will decrease. And you will feel the genuine relationship between your experience and what you really love. It allows us to understand what thing would miss most if it did not exist.”

“My cinema starts to reach its limit in Thailand. I start to feel that censorship affects my creativity and decision making.”

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Eric Pillot est un artiste au parcours surprenant. Ce photographe issu d’un milieu modeste a été diplômé de Polytechnique et a travaillé pour la Défense Nationale. Passionné par le jazz, il est batteur à ses heures perdues. Il redécouvre la photographie, que son père pratiquait en amateur, lors de vacances en Grèce. C’est une révélation. Il nous raconte ici comment il a quitté une voie royale avec un avenir garanti pour suivre sa passion.

Eric Pillot has a unconvetional path. This photographer from a modest background graduated from Polytechnique and worked for National Defence. Passionate about jazz, he is a drummer in his spare time. He rediscovered photography, that his father practiced as an amateur, during holidays in Greece. It is a revelation. He tells us here how he left a royal road with a guaranteed future to follow his passion.